Kom naar een talk die kunst en natuur verbindt waar we dieper ingaan op de huidige tentoonstelling 

 van Hira Nabi en het nieuwste nummer van Foam Magazine #64: EXTREMES—

Je bent op zaterdag 18 november van harte welkom voor dit evenement van 18.00 tot 19.30 uur.

A still from Wild Encounters, 2023

Foam

Art and environment in the Anthropocene

Foam Magazine #64 Extremes - The Environmental Issue. Cover: Abundance, 2023

Foam Magazine #64 Extremes - The Environmental Issue Cover: Scarcity, 2023.

Image from the series Theatre of Authenticity

From the series Waste Identity Passport for Plastics & Bola Bola Living

"The portfolios and essays on this side address the growth, excess, overproduction, overconsumption, and greed that drive the Anthropogenic engine to continue grinding."

Presenting Foam Magazine #64: Waste Identity: Passport for Plastics & Bola Bola Living by Aàdesokan

Waste Identity: Passport for Plastics & Bola Bola Living

PORTFOLIO – Waste Identity: Passport for Plastics & Bola Bola Living by Aàdesokan

Presenting Foam Magazine #64: Crisis of Storytelling by Gem Fletcher

LONG READ – Crisis of Storytelling by Gem Fletcher

Presenting Foam Magazine #64: Theatre of Authenticity by Natacha de Mahieu

PORTFOLIO –  Theatre of Authenticity by Natacha de Mahieu

Page 144-145 in Foam Magazine #64: EXTREMES

From the series The Eyes of Earth

From the series Master Rock

"This side shows the impact, the disintegration, and the lack of connection to native knowledge, capturing the decrease in different ways."

Presenting Foam Magazine #64: Master Rock by Maria Fusco

PORTFOLIO –  Master Rock by Maria Fusco

Presenting Foam Magazine #64: Radical Inclusivity, Relationality and Indigenous Photography by Wanda Nanibush

LONG READ – Radical Inclusivity, Relationality and Indigenous Photography by Wanda Nanibush

Presenting Foam Magazine #64: The Eyes of Earth by Solmaz Daryani

PORTFOLIO –  The Eyes of Earth by Solmaz Daryani

Foam Magazine #64 Extremes - The Environmental Issue Cover: Abundance, 2023

EXTREMES – The Environmental Issue: New ways of visualising climate change in Foam Magazine

The West Desert, located on the western shore of the Great Salt Lake in Utah (USA), is the ancestral home of the indigenous Goshute people. Though officially public lands, managed by the Bureau of Land Management, this area is largely used for various privatised or military purposes, ranging from mining operations, testing grounds for weapons and improvised gun ranges.  

, Jaclyn Wright visited these cluttered sites, full of discarded targets and shattered clay pigeons. The bullet-holed remains, which she collected, photographed and filmed, are pieced together into performative installations, that reflect on the colonisation of ancient lands by bureaucratic systems.  

By inserting herself into the scene, wearing a skintight bodysuit made out of orange clay pigeons, Wright comments on the hyper-masculine culture of land dominance and cowboy fantasies. The synthetic orange colour becomes symbolic: used to enhance visibility, it signifies the strong opposition and rejection of its natural environment. 

Untitled (BLM arrows I)

From the series High Visibility (Blaze Orange)

Antelope Island (Utah) Buffalo Hunt photograph collection, Digital MSSC782, No. 6, Altered

L. Clyde Anderson photograph collection (1910- 1959), P0158, Box 1, Folder 27, Altered

Charles James Neal photograph collection (1900 - 1920s), P0694, Box 1, Folder 4, Altered

The West Desert is located on the western side of the Great Salt Lake [UT, United States]. Historically, this area has been documented through photography and land surveys, supporting the violent exploitation of the landscape. 

Archives, II

Untitled (grid)

Nearly one-third of the West Desert's 7.7 million acres are used as biological and chemical weapons testing grounds. The remaining areas of the West Desert are open to various uses, including improvised gun ranges.

Collected Targets

Collected Targets, from the series High Visibility (Blaze Orange)

L. Clyde Anderson photograph collection (1910- 1959), P0158, Box 1, Folder 6, Altered

Stansbury Island, the second largest island in the Great Salt Lake, echoes with gunfire and is littered with bullet holes, clay pigeons and improvised targets. The Bureau of Land Management refers to this detritus as "trigger trash".

Found Clay Pigeons

Archives, V

Jaclyn Wright

from the series Las Flores Mueren Dos Veces

 is a personal exploration of loss, grief and reconciliation following the death of the artist’s father. Through various tools of digital creation and manipulation, Cristóbal Ascencio created a poetic exploration of his personal memories, altering family photos and recreating the last garden his father worked on.  

Fifteen years after his father passed away, Cristóbal Ascencio learned that his death had been a suicide. The last words of Margarito’s farewell letter stated: “Forgive me and communicate with me.” This new piece of information triggered Ascencio to revisit the images, places and memories connected to his family history.  

In an attempt to answer his father’s final request, he digitally recreated a collection of plants based on his father’s instructions as well as an immersive garden, where the plants function as a bridge between past and present. Using different digital techniques, such as ‘data bending’, photogrammetry and 3D modelling, Ascencio plays on the idea that our memories are manufactured, manipulated and corrupted over time.  

Margarito, from the series Las Flores Mueren Dos Veces. Data bending on archival photography.

Nacer, from the series Las Flores Mueren Dos Veces. Databending on archival photography.

Bromelia, from the series Las Flores Mueren Dos Veces. Digital photography and photogrammetry

Wedding, from the series Las Flores Mueren Dos Veces. Databending on archival photography.

Letter, from the series Las flores mueren dos veces

Monstera Deliciosa, from the series Las Flores Mueren Dos Veces. Digital photography and photogrammetry

Burial, from the series Las Flores Mueren Dos Veces. Data bending on archival photography.

Birthday, from the series Las Flores Mueren Dos Veces. Databending on archival photography.

Tagetes Erecta, from the series Las Flores Mueren Dos Veces. Digital photography and photogrammetry

Lucha Libre, from the series Las Flores Mueren Dos Veces. Databending on archival photography.

from the series Las floren mueren dos veces

Cristóbal Ascencio

Dream-like figures appear in dense forests, dancing and floating around smoke and fires like magical figures. For 

Cansu Yıldıran collaborated with fellow queer artists based in Turkey to create a fantastic world where they could feel safe and sheltered —a feeling that is often lacking in their daily life.

The dreamy visuals are fittingly accompanied by a fairytale, written by Yıldıran themselves, which tells about the heavy norms enforced on the queer community by society and how this collaborative project helped them to believe in another world, a deep mysterious realm within them.

 offers an escape: inspired by their dreams and childhood fairytales, Yıldıran’s images unravel a certain state of mind, a deeper meaning of what it means to be queer within a hostile environment. The photographs are all analogue—a technical yet vital element of the project. Not knowing anything about the visual outcome during the process, it allowed Cansu Yıldıran to approach each portrait intuitively and independent of the rest. 

From the series Fathom

Cansu Yıldıran

In 1947, when the British left India after 89 years of colonial rule, the land was divided into two countries: Pakistan and India. Known as the Partition of India, this enforced and hastily drawn line sparked a violent mass migration of fifteen million people, changing the course of history on the subcontinent for generations to come.  

, Aaryan Sinha documented his journey across five Indian states bordering with Pakistan. The photographs capture his travels in an intuitive and poetic way, and together investigate how historical events, like the partition, influence the Indian landscape and the identity of its people, including his own. 

At the core of the project lies Aaryan’s attempt to depict a version of India that is truer to his experience, one of similarity and connection, rather than division and opposition. Through this, his project also exposes the relationship between photography and colonialism—aiming to revoke the stereotypical perception of a poor, overpopulated nation held by many in the West. 

In a Sandstone Mine

A Dream from Childhood

Portrait of Time

From the series This Isn't Divide and Conquer

Stillness

Scars Run Deep

Escape

Reinforcement

Aaryan Sinha

 in 2004. The artwork is an analogue c-print and is displayed at 61 x 80 cm.

System 8, from the series Kosmos, 2011

visible in

is the main business district of Amsterdam, located south of the inner city. Starting in 2001, every year two to four photographers and visual artists received an assignment to capture this area and its rapidly changing environment. The ten works by Jasper Wiedeman that feature in 

 are a documentation of the garden that he created in the middle of the Zuidas.

06.09.2004

 in 2018. The artwork is an ice photogram digitally printed on glass, and is displayed at 33 x 40 cm.

In an attempt to minimize the devastating effect of global warming on the glaciers of the Swiss Alps, each summer they are covered with geotextile blankets that are designed to keep the ice cool. Douglas Mandry journeyed his native country, intrigued by this desperate attempt to prevent the receding glaciers from further melting. The artist collected disused pieces of geotextile from the mountains, and later processed them as a base for found photographs of early twentieth-century alpinism in the region. Mandry also took bits of broken ice from the glacier with him in a cool box. In the darkroom, he put the ice in the enlarger, where it started to melt and drip onto the photo paper, creating a colourful aura of the glacier. Mandry then reproduced these photograms on glass plates. 

could be considered an index of the vanishing glaciers of Switzerland: frozen time, captured in an instant by the principles of photography.

Monuments, Aletsch #2, 2018

Foam Magazine is een internationaal bekroonde fotopublicatie.

Front cover: Faceless, 2023. Image from the series (Inter)Faces of Predictions

Cover image: Sunil and Sulbha Dhiwar, with Tanmay, Tejasvi, Sourabh, Prachi and Vivek from the Goody family archive, 2002. Image from the series Eat with Great Delight

Cover image: Untitled / After Courbet (L’origine du monde), 2004. Colour photograph, 46x55cm. Photograph: David Rych.

Foam Magazine 61 Talent. Image: Paintings, Dreams and Love © Yushi Li

Foam Magazine #60 Glyphs – The Image + Text Issue

Image from the series EIGHTEEN NINETY 2020 installation detail from the exhibition In Plain Sight

Foam Magazine verschijnt twee keer per jaar. Elk nummer is gewijd aan een specifiek thema dat wordt onderzocht aan de hand van werk van zowel wereldberoemde beeldmakers als nieuwere, opkomende talenten. Begeleidende essays, interviews en opinies van experts in het veld komen samen om een diepgaand en kritisch gesprek te vormen.

Foam Magazine wordt gemaakt met uitgesproken redactionele keuzes en heeft verschillende prijzen ontvangen voor haar hoogwaardige grafische vormgeving en inhoudelijke kwaliteit.

Phone showing Foam magazine

Image from the series Playing with Visual Fragments

Title

Foam Magazine #59: Histories - The Archival Issue, 2021 

Image from the series After Hours

title

Image from the series Collection of Unjust Enrichment

Image from the series Where We ve Been, Where We re Going Why

Verkooppunten

Foam Talent Call

Contact

Magazine

Gemaakt door Lucas Foglia in 2015. Het kunstwerk is een pigmentprint op Archival Epson Premium Semimatte-papier met een afmeting van 86,4 x 111,8 cm.

Waves from the Web, 2009

te zien in

Hoe belangrijk is natuur voor de gezondheid van de mens? In de serie 

 onderzoekt Lucas Foglia de relatie tussen de mens en de natuurlijke wildernis. Hij volgt hiervoor onder andere een groep neurowetenschappers die onderzoek doet naar het heilzame effect van een verblijf in de natuur. Het beeld van de opgekrulde vrouw te midden van een imposant landschap, terwijl ze via elektroden bevestigd is aan een computer, roept een sciencefictionachtige sfeer op. Ze maakt echter deel uit van een werkelijke studie van de University of Utah (VS) waar onderzoekers de hersenactiviteit van de deelnemers meten terwijl ze worden blootgesteld aan verschillende natuurrijke omgevingen. Het contrast tussen de hightech-apparatuur waar deelnemer Kate aan vastzit en de weidse wildernis op de achtergrond creëert een zekere visuele spanning. Probeert Foglia hiermee te benadrukken hoe ver verwijdert de mens inmiddels is geraakt van haar natuurlijke omgeving? 

Kate in an EEG Study of Cognition in the Wild, Strayer Lab, University of Utah, Utah 2015 from the series Human Nature

Kate in an EEG Study of Cognition in the Wild, Strayer Lab, University of Utah, Utah 2015

 onderzoekt fotograaf Lucas Foglia de relatie tussen de mens en de natuurlijke wildernis, vanuit de observaties dat de gemiddelde Amerikaan zo’n 93% van de tijd binnenshuis doorbrengt en klimaatverandering verstrekkende gevolgen heeft voor onze leefomgeving en voedselzekerheid. Extreme weeromstandigheden dwingen boeren om hun landbouwgewassen te beschermen. Op deze foto zien we hoe een feloranje sinaasappel tussen het frisgroen gebladerte omhuld wordt door ijspegels. Het heeft bijna iets surrealistisch – de teelt van sinaasappels wordt immers vaak geassocieerd met een warm, zonnig klimaat. Het gebruik van ijs is echter een beproefde techniek die door boeren in California (VS) ingezet wordt om de sinaasappels, hoe tegenstrijdig het ook klinkt, te beschermen tegen de kou. 

Ice to Protect Orange Trees from the Cold, California, 2015 from the series Human Nature

Ice to Protect Orange Trees from the Cold, California 2015

Ice to Protect Orange Trees from the Cold, California, 2015

Gemaakt door Pieter Hugo in 2005. Het kunstwerk is een digitale c-print met een afmeting van 152,4 x 152,4 cm.

De jongeman in de afbeelding, Mallam Mantari Lamal, maakt deel uit van een groep rondtrekkende troubadours in Nigeria die bekendstaan als de 'hyenamannen'. Behalve dat ze hyena’s temmen en ermee optreden, verkopen ze traditionele medicijnen. De zware ketting en de stevige muilkorf over de bek van de hyena verraden de kracht van het roofdier aan het eind van de riem. Mallam staat echter heel zelfverzekerd naast de rustig liggende hyena.  

De foto’s van Pieter Hugo zijn een mengeling van documentaire en portretfotografie. Ze portretteren niet alleen de mensen die hij ontmoet, maar ook hun cultuur, leefstijl en omgeving. In zijn serie belicht Hugo de paradoxale relatie tussen de mannen en hun dieren: zowel zorgzaam als wreed.  

(Het portret van Mallam Mantari Lamal met de hyena Mainasara maakt deel uit van Pieter Hugo’s grotere serie

Mallam Mantari Lamal with Mainasara,  Nigeria, 2005 from the series The Hyena & Other Men

Mallam Mantari Lamal with Mainasara, Nigeria, 2005 

Gemaakt door Daniëlle van Ark in 2005-2007. Het kunstwerk is een c-print op aluminium met een afmeting van 60 x 75 cm.

Wat is er gebeurd vlak voordat deze foto werd genomen? Verstoorde een luide beltoon de stilte in de galerie? Een vrouw is even uit de groep gestapt om een telefoontje te beantwoorden, zich totaal niet bewust van de geërgerde blik van een van de andere bezoekers. 

 maakt deel uit van Daniëlle van Arks serie 

, waarin ze de hogere klassen van New York vastlegt bij hun bezoeken aan vernissages in galerieën. Chelsea is een bruisende wijk in New York aan het uiteinde van de West Side van Manhattan. Hoewel de wijk maar 6 blokken beslaat, bevinden er zich ruim 300 kunstgalerieën. De steriele omgeving van de galerie vormt een perfect decor voor de komische scène die zich afspeelt voor de lens van Van Ark. Het enige vleugje kleur is afkomstig van het schilderij aan de wand en de felroze rok. Van Ark bekijkt het gedrag van mensen met de blik van een socioloog en weet de interactie tussen mensen in theaterachtige taferelen op een subtiele manier te vangen. 

Untitled (Pink Skirt vs. Brown Pants) from the series For Art's Sake

Untitled (Pink Skirt vs. Brown Pants)

Gemaakt door Vincent Zedelius in 2004. Het kunstwerk is een c-print gemonteerd op MDF bedekt met epoxy, met een afmeting van 90 x 70 cm.

Zoals de titel al suggereert vormden de foto’s voor deze serie een vingeroefening voor Vincent Zedelius om zijn fotografisch oog te perfectioneren. In 

 zien we het interieur van een oude academie voor houtbewerken en meubelmaken. De rechthoekige vormen op de grond en op de muur in combinatie met het bureau en het vel papier vormen samen een aantrekkelijke geometrische compositie. Door de strakke oppervlakken en het gebundelde licht krijgt de foto echter ook iets geheimzinnigs. De mandarijnenschil verstoort de scène en versterkt het onbehaaglijke gevoel. Behalve de mandarijnenschil is er weinig wat erop wijst dat het gebouw nog wordt gebruikt. 

In al zijn werk komt Zedelius’ belangstelling naar voren voor omgevingen waar slechts sporen van menselijke aanwezigheid te zien zijn en de spanning die dat met zich meebrengt. In 2006 was de serie 

 van kunstenaar Vincent Zedelius te zien bij 

Exercise #03 from the series Exercise

Exercise #03

Gemaakt door Cuny Janssen in 2008. Het kunstwerk is een c-print met een afmeting van 36 x 29 cm.

Te zien in

Welke invloed heeft de bewogen geschiedenis van Native Americans op de wereld van hun jongste generatie? Deze vraag bracht de fotograaf Cuny Janssen naar Bartlesville in Oklahoma (Verenigde Staten) waar de Turtle-clan van de matriarchale Delaware-stam zijn domicilie heeft. Voor haar project 

 fotografeerde Janssen kinderen met Native American-wortels en de omgevingen waarin ze opgroeien, in een poging de onlosmakelijke connectie tussen de twee te vangen. Wars van de stereotiepe weergave van Native Americans in de populaire media portretteerde Janssen de kinderen en hun omgevingen op een onbevangen manier.  

Het resultaat is een serie intieme portretten, zoals die van William Scott Burks, waarin ze de relatie tussen cultuur, maatschappij en opvoeding onder de loep neemt. 

William Scott Burks from the series My Grandma was a Turtle

Bartlesville, OK, USA, 2008, William Scott Burks

William Scott Burks

Opening of recommended Olympus Fellowship at Foam

major partners

collaborative projects

Deutsche Börse Photography Foundation & Foam Talent

recommended Olympus Fellowship

Opening of Now You See Me Moria at Foam

Image from the series Flash Points

Foam aims to be a flexible and versatile partner to companies that wish to associate with talent development, contemporary photography of the highest international level, entrepreneurship and innovation. We kindly welcome businesses to commit to our organisation as sponsors.

become a partner

support a specific project

donate

leave a legacy

more ways to support

Our partnerships

Gemaakt door Guillaume Simoneau in 2015. Het kunstwerk is een pigmentprint. Het onderzoekt thema's als milieu, ecosystemen en wetenschap.

Maldoror #6, 2014

Foam is supported by the VriendenLoterij, Foam Members, De Brauw Blackstone Westbroek, the VandenEnde Foundation and the City of Amsterdam.

In 2021 Foam receives additional support from the Mondriaan Fund and Kickstart Cultuurfonds

Binnen het genre van documentairefotografie wordt vaak gewerkt in series: meerdere foto’s die samen een bepaald verhaal vertellen. Iedere afbeelding draagt op een bepaalde manier aan het grotere verhaal bij – de fotograaf bepaalt hoe en in welke vorm. In de documentaireserie 

, bijvoorbeeld, volgt de fotograaf Guillaume Simoneau een groep wetenschappers die in de zogenaamde ‘Experimental Lake Area’ in Canada onderzoek doen naar de impact van klimaatverandering en menselijke interventie op de natuur. 

 is een close-up van een paar handen dat een net repareert. Hoe verhoudt deze foto zich tot de andere beelden in de serie, zoals bijvoorbeeld 

On Earth – Imaging, Technology and the Natural World

. Een tentoonstelling waarin 27 hedendaagse kunstenaars reflecteren op de relatie tussen de mens, techniek en de natuur. 

Mending net, on location ELA, Canada, 2015 from the series Experimental Lake

Mending, on location ELA, Canada, 2015

Gemaakt door Guillaume Simoneau in 2015. Het kunstwerk is een digitale pigmentprint met een afmeting van 40 x 31 cm. Het onderzoekt thema's als milieu, ecosystemen en wetenschap.

Zo nauwkeurig als onderzoekers hun bevindingen noteren, zo nauwkeurig observeert de Canadese fotograaf Guillaume Simoneau de paradoxale relatie tussen de mens en de natuur. Zijn serie 

 legt vast hoe een groep onderzoekers ecologische experimenten uitvoert op afgelegen meren midden in de wildernis in Noordwest-Ontario, Canada. Deze experimenten zijn bedoeld om de impact van menselijke activiteiten, zoals vervuiling en klimaatverandering, op kwetsbare ecosystemen te onderzoeken. 

 biedt een inkijkje in het alledaagse van het belangrijke wetenschappelijke onderzoek, waarbij gewone gebruiksvoorwerpen zoals een emmer, theedoek en plastic campingtafel goed van pas lijken te komen. Guillaume Simoneau’s serie 

Location lab two from the series Experimental Lake

Location lab two, on location ELA, Canada, 2015

Gemaakt door Guillaume Simoneau in 2014. Het kunstwerk is een pigmentprint met een afmeting van 40,5 x 30,5 cm. Het onderzoekt thema's als milieu, ecosystemen en wetenschap.

Alles in de wereld, inclusief de mens zelf, is opgebouwd uit atomen: de kleine bouwstenen van het leven. Op deze foto, verbeeld als zwart, wit en rode balletjes, zijn de atomen aaneengeschakeld tot moleculen. In de serie 

 volgt fotograaf Guilaume Simoneau de dagelijkse activiteiten van een groep wetenschappers die onderzoek doet naar de menselijke impact op de natuur. De koele blauwtint die over de afbeelding hangt, lijkt goed gekozen om de steriele, wetenschappelijke sfeer van een laboratorium weer te geven. Tegelijkertijd vormt het speelse molecuulmodel, dat als een geïmproviseerd sterrenstelsel aan het plafond bungelt, een onverwacht contrast met de professionaliteit en serieuze aard van het wetenschappelijk onderzoek dat hier plaatsvindt. Guillaume Simoneau’s serie 

Mobile, ELA field station, Canada, 2014 from the series Experimental Lake

Mobile, ELA field station, Canada, 2014

 in 2015. The artwork is a digital pigment print. It explores themes as 

Experimental Lake is set around a world-class research facility looking into human impact on nature. It is situated within the pristine natural environment of the Experimental Lakes Area (ELA) in north-west Ontario, Canada. 58 lakes comprise a natural laboratory where a community of international scientists test the effect of new chemical substances and other human inventions on the environment. Their daily activities are monitored by Simoneau as a complex ecosystem in its own right, much like a scientist studies his specimen. Results from case-studies done in the ELA inform environmental policies worldwide. Similarly, Simoneau’s small observations speak of a universal interconnectedness between man and nature, as increasingly mediated through science – and photography. 

Location lab one, on location ELA, Canada, 2015 from the series Experimental Lake

Location lab one, on location ELA, Canada, 2015

 in 2018. The artwork is a digital pigment print and displayed at 41 x 55 cm. It explores themes as 

Lightning Storm Flare from the series Experimental Lake

Lightning Storm Flare

Mayflies by D. McLeod, on location ELA, Canada from the series Experimental Lake

Mayflies by D. McLeod, on location ELA, Canada

 in 2010. Using c-print as the medium, the artwork is displayed at 60 x 40 cm.

Paper Girl 2, from the series World, 2010

A frail and twisted female body dissimulated behind pieces of paper: profoundly influenced by fashion and design, Ina Jang’s images are unconventional and light. She creates a complex and multidimensional world in which reality and fiction are intertwined using different surfaces and layers.

Environment

Art and environment inthe Anthropocene